La obra de algunos artistas ha surgido de la intuición y la sensibilidad, pero en otros casos la acción creadora se ha gestado en la reflexión teórica, contrastando praxis y pensamiento.

Leonardo da Vinci, Van Gogh o Kandinsky nos han legado importantes escritos sobre arte y creación, abordando aspectos técnicos y conceptuales. Sin embargo, la meditación sobre el arte no es un complemento de la actividad artística, sino una rama de la filosofía. La estética o ciencia de lo bello no se constituye como disciplina hasta el siglo XVIII. El filósofo alemán A. G. Baumgarten es el primero en conferirle una dimensión autónoma en sus Reflexiones filosóficas acerca de la poesía (1735). Esto no significa que la estética no existiera con anterioridad, pero hasta entonces no se había definido como un saber independiente, con un objeto propio. En la Crítica del juicio (1790), Kant llama “juicios estéticos” a los juicios de gusto que “se refieren a lo bello y lo sublime de la naturaleza o el arte”. Baumgarten y Kant conservan la etimología griega, que vincula la estética (áisthesis) al conocimiento sensorial. De hecho, Kant utiliza en la Crítica de la Razón pura (1781) la expresión “estética trascendental” para titular la sección que estudia las formas a priori de la intuición sensible: el espacio y el tiempo.

Hasta el siglo XIX, no se consolidará la estética como saber específico. Sólo al independizarse el arte de los intereses políticos y religiosos surgirá el concepto de Bellas Artes, que unifica todos los géneros en un impulso común hacia la belleza. Este fenómeno está asociado al ascenso de la burguesía. Su influencia será determinante en la creación de museos orientados a reunir y conservar obras de todas las épocas y géneros, sin otro criterio que su mérito artístico. En sus orígenes, los museos se mostraron reacios a las innovaciones formales, pero el éxito de las vanguardias en el siglo XX abrirá sus puertas al riesgo y la experimentación. Es posible que esta apertura no se hubiera producido sin dos acontecimientos que evidenciaron la miopía del academicismo y el prejuicio. En 1874, un grupo de pintores franceses, que no conseguían exponer su obra en el Salón oficial, crearon una cooperativa para realizar una exposición conjunta en un local de París cedido por Nadar, un famoso fotógrafo. El crítico L. Leroy se burló de las obras expuestas, mostrándose especialmente sarcástico con una marina de Monet titulada Impresión, sol naciente. Leroy se inspiró en esta tela para llamarles “impresionistas”, pero los aludidos despojaron al término de su carga despectiva y lo transformaron en el nombre de su escuela.

En 1937, el gobierno nacionalsocialista organizó en Munich una exposición sobre “arte degenerado”, donde se colgaron obras de Braque, Picasso, Paul Klee, Matisse y Kokoschka. Su intención era ridiculizar el arte de las vanguardias. Al mismo tiempo, se celebró otra exposición de “Gran arte alemán”, que reivindicaba, en palabras del Hitler, “el renacer de una nueva era y el fin de la degeneración”. La exposición de “arte degenerado” atrajo a dos millones de espectadores, el triple que la exposición de “gran arte alemán”, donde sólo había obras mediocres de estilo realista. El miedo a repetir los errores del pasado ha producido cierta desorientación en el arte contemporáneo. Hace unos años, el Museo Guggenheim de Bilbao exhibió en sus paredes una pintura insignificante colgada por unos extraños que pretendían denunciar la actual falta de criterio para determinar el valor de una obra. Sólo el tiempo podrá ofrecer la perspectiva necesaria para discriminar entre lo efímero y lo perdurable.

*Into The Wild Union

Imagen: El Hombre de Vitruvio, dibujo de Leonardo da Vinci

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