LQSomos. Sala de cine

El aporte de las mujeres al audiovisual en Cuba comienza a mostrar su rostro. Estudios, eventos y publicaciones varias revelan poco a poco el quehacer incansable de las cubanas en la industria y las novedades estéticas que proponen.

"Las mujeres realizadoras se integran a los discursos de vanguardia con una naturalidad enorme, creo que no solo generando una especie de cuña aparte en la cual se tratan solamente los problemas relacionados con la subjetividad femenina, sino trabajando temas que pueden ser considerados como tradicionales, pero desde perspectivas oblicuas", declaró a SEMlac el reconocido crítico de cine Dean Luis Reyes.

Pero no siempre fue así. Pese a la amplia obra de reconocidas directoras, solo cuatro largometrajes de ficción han sido dirigidos por mujeres en los últimos 54 años. Una cifra que, para muchas personas, revela discriminaciones y prejuicios.

Algunos medios la recuerdan como la musa del cine de Berlanga, y es fácil reconocerla como “la tuerta” de “La Escopeta Nacional” o “la madame” de “La Vaquilla”, pero a mí me gusta más hacerlo en la piel de Aurora Rodríguez en “Mi hija Hildegart”, o en la de “La Varona” del “Crimen de Cuenca”

Nacida día 23 del tórrido mes de agosto de 1933, en un Madrid republicano que mantiene su hegemonía de izquierdas, y que perderán tres meses más tarde unas elecciones donde por primera vez vota la mujer en España.

Siendo hija de los actores Salvador Soler y Milagros Leal, apadrinados en su boda por el dramaturgo D. Jacinto Benavente, no era difícil predecir cuál sería su futuro, al igual que pasaba con los retoños de otras tantas sagas de cómicos españoles.

La guerra civil desencadenada tres años después de su nacimiento la cogerá en gira con la compañía de sus padres por el norte de España, que optan por disolverla y marchar a Valencia (de donde eran originarios), por parecerles lugar más seguro que la capital, y donde su padre asume la dirección del Teatro Municipal de Valencia durante el periodo bélico.

El filme Amanece que no es poco (1988), de José Luis Cuerda, ha sido la mejor película española de los últimos sesenta años según una encuesta que ha promovido, a través de una red social, la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci).

 Este largometraje, una reflexión en clave surrealista sobre la sociedad española del último tercio del siglo XX, reunió en un mismo elenco a algunos de los mejores actores del momento como Aurora Bautista, María Isbert, Rafael Alonso, Manuel Alexandre, Cassen y José Sazatornil.

 Por detrás de Amanece que no es poco, las preferencias de los encuestados se han decantado por Los santos inocentes (1984), de Mario Camus y basada en la novela del mismo nombre de Miguel Delibes, y por Plácido (1961), de Luis García Berlanga, según fuentes del festival de cine de Valladolid.

Apuesta por los directores noveles La 58 Semana Internacional de Cine de Valladolid, que se celebra del 19 al 26 de octubre y en la que concursan los españoles Mar Coll, Santiago Tabernero y Jordi Cadena ha apostado por las producciones europeas y la promoción de nuevos autores, pues seis directores noveles competirán por la Espiga de Oro.

El nacimiento del cine LGBT de Portugal se remonta al final de la dictadura salazarista, paradójicamente, a los espectáculos travestis que se celebraban en el África colonial para los combatientes. El Festival Internacional Queer de Lisboa es hoy un claro reflejo del buen momento que vive la temática queer, que nada a contracorriente en la crisis del sector.

Nacieron con la dictadura y se hacen fuertes con la actual crisis. Son dos historias de sobrevivencia. De subidas y bajadas que se abrazaron a finales de septiembre en Lisboa. La película ¿Y ahora? Recuérdame propone una reflexión sobre el tiempo y la memoria, las epidemias y la globalización, la disensión y el amor absoluto. La supervivencia más allá de lo esperable. La del propio realizador, Joaquim Pinto, y también la del cine queer portugués. Dos historias paralelas que se reafirman en la adversidad, dilatando su existencia allende los límites.

El cuaderno de anotaciones de un año de ensayos clínicos de Pinto narra en forma autobiográfica su convivencia con el sida y la hepatitis C. Es el quehacer diario, con el virus acuestas desde hace dos décadas, de Pinto y su marido Nuno Leonel, de sus perros, de sus amigos, de su casita en el campo, de sus árboles y de sus plantas, de su entorno, de sus recuerdos y de esos olvidos ya no tan suyos provocados por las pruebas médicas. “Cuando empecé el tratamiento me di cuenta de que casi no había películas que hablaran en primera persona sobre el VIH. Yo no tengo nada que esconder”, confiesa Pinto, en un país, Portugal, con uno de los índices occidentales más altos de prevalencia del sida según Naciones Unidas: entre el 0,5 y el 0,9 por ciento (unas 70.000 personas aunque más de la mitad lo desconocen), cuando la mayor parte de los países europeos ronda el 0,3 por ciento.

"El festival de cine más mágico del mundo en el lugar más inhóspito del planeta". Así definía uno de los participantes de este año el certamen de cine internacional 'FiSahara', celebrado a lo largo de toda la semana pasada en los campamentos de refugiados saharauis en Tindouf -Argelia- y que esta edición celebraba además su décimo aniversario.

Un festival donde los premios son pura anécdota. Donde la alfombras rojas son sustituidas por la arena de las dunas; los cocktails, los tacones y el glamour por las melfas de colores y el rito de los tres tés; los hoteles de cinco estrellas por las jaimas…y donde el fulgor de las estrellas de carne y hueso; de los directores, actores y actrices que acuden cada año al festival, languidecen ante las estrellas importantes aquí. Las que pueblan esas noches espectaculares del desierto y que dan esperanza al pueblo saharaui. Esto es el 'FiSahara'. El festival de cine de la solidaridad. Y del compromiso.

No sólo de guerras viven las personas.

Los cineastas acostumbran a mostrar la vida contraatacando a una racionalidad posmoderna que priva alegremente la trasnochada idea de una imagen como fuente de cambio. Se podría afirmar que el cine no cambia al universo pero, como subraya Wim Wenders, ayuda a mejorar las imágenes del mundo o, simplemente, puede ayudar a mejorarlo. Cuando las cinematografías africanas comenzaron a reivindicar su propio espacio a partir de la década de 1960, a recolonizar las imágenes secuestradas durante la época de la colonización, el grito mudo de la esperanza se adueñó de toda una generación de directores. El color del celuloide se transformó aportando una visión renovada del devenir africano y el poder de una nueva fotografía abrazada a la ideología antiimperialista arrancó el crujir de las naciones que comenzaban a emanciparse de sus antiguas metrópolis.

Se producía un momento de tránsito donde el espacio y el tiempo se cruzaban para producir figuras complejas de diferencia e identidad, pasado y presente, adentro y afuera, inclusión y exclusión… Los cines misionero, colonial y etnográfico, propios de la época colonial, quedaban relegados a la voz heterogénea de un continente, de unas cinematografías que tenían como objetivo reescribir su propia historia. De esta forma, el reconocido historiador y crítico de cine francés, Georges Sadoul, auguraba un futuro esperanzador en un artículo publicado en 1960 en el periódicoLe Monde: “65 [años] después del invento del cine, todavía no se ha producido ni un solo largometraje realmente africano, es decir, interpretado, rodado, escrito, ideado, montado por africanos y, naturalmente, hablado en una lengua africana. Es decir, que 200 millones de personas quedan excluidas de la forma más avanzada del arte más moderno. Estoy convencido de que antes de finales de los años sesenta este escándalo será sólo un mal recuerdo de los tiempos pasados”. Y así sucedió.

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