Noe Acedo*. LQS. Diciembre 2018

¿Te imaginas un mundo sin arte?

Segunda pieza de este ensayo sobre la función del arte, que corresponde a la nota publicada con el mismo titulo y que puedes leer aquí: ¿Tiene el arte alguna función social?

Un pequeño viaje a través del tiempo y el espacio

Os propongo subirnos, imaginariamente, a una máquina del tiempo y viajar a través de las diferentes épocas históricas para intentar discernir el papel que ha tenido tanto la obra de arte como el artista en las diferentes sociedades. Esta pequeña aventura literaria tiene escondida tras de sí una moraleja y parto de la premisa de que nunca hubo arte sin sociedad o sin comunidad. Es fundamental considerar todas las épocas importantes, que han trascurrido en el tiempo, pues creo firmemente que el arte no se inventa cada vez que nace una nueva corriente o trascurre un periodo histórico, si no que, es una herencia (de la humanidad) que se va traspasando con el tiempo.

Nuestra primera parada tendrá lugar en la era Prehistórica, en el Paleolítico más exactamente, en la etapa inicial de la denominada Edad de Piedra. Nos podemos encontrar cantidad de documentos que acreditan que las pinturas rupestres, grabados, bajo-relieves y aerografías (se ponían pintura diluida con agua en la boca y con una caña la escupían en la zona a pintar), realizadas en este periodo era utilizadas para rituales, sobre todo religiosos, al igual que las danzas y las canciones. Me sitúo en la conclusión de que no era un arte prestado al servicio de la decoración, por ende, tenían un carácter social y en mi opinión político.

Si avanzamos un poco más, llegamos al Paleolítico Superior (etapa final de esta era donde aparece el Hommo Sapiens Sapiens). María Carla Prette y Alfonso de Giorgis en su Atlas Ilustrado de Historia del Arte cuentan que en este momento histórico nace el arte mueble que tenía carácter votivo, o sea, era ofrecido a través de promesas, por lo que está directamente relacionado con la religión.

Una de las características principales de estas piezas es que se podían trasladan de un lugar a otro, la temática eran las Venus (Diosas). Si analizamos bien este tipo de manifestación artística y hablamos conceptualmente de la pieza, había un carácter sociológico intrínseco. Creo que es tremendamente de carácter social porque es una muestra que nos ofrece la historia del importante papel que desempañaba la mujer en la época pre-histórica.

Era arte social en su contexto ya que estas piezas (esculturas, pinturas, utensilios…) tienen un significado concreto (el papel de la mujer en esos tiempos, como era cazar, como veían las relaciones entre su especie…), además están realizadas por un motivo concreto, los rituales religiosos. Además, opino que sigue siendo social en nuestro contexto porque podemos conocer a través de estas manifestaciones artísticas como se conformaban y funcionaban como sociedad.

Importante hacer una segunda escala en el Neolítico, ya que, debido a los asentamientos (primero en cabañas, después en poblados) nació la arquitectura y nuevas formas de expresión artística. Se crean nuevas técnicas, como por ejemplo, la utilización de arcilla y nacen lo que serían los alfareros.

Es de mención decir que la consideración social del artista en esta época era bastante relevante, eran los únicos que se encargaban de realizar las labores correspondientes en el ámbito artístico. Es más, hay teorías como la desarrollada por Jean Clottes (1), pre- historiador de origen francés, que argumenta que aunque no hay pruebas fehacientes si hay indicios de que eran los chamanes los que se encargaban de realizar las pinturas rupestre. Bajo ritos chamánicos llegaban al estado ‘’conciencia alterada’’ o trance para realizar sus obras y utilizar el arte como herramienta de expresión humana y espiritual.

Volvemos a subirnos a nuestra máquina de tiempo para avanzar y llegar a la época egipcia. En el Arte Egipcio podemos comprobar, que de nuevo, nos encontramos con manifestaciones artísticas que tienen que ver con la política, la sociedad y la cultura. A través de sus pinturas, esculturas y arquitecturas mostraban su religión y el culto a la naturaleza que procesaban, como estaba piramidalmente estructurada su sociedad, como era su vida día a día como faraones y como pueblo, por ejemplo con los ushebits (2) nos mostraban los trabajos cotidianos de la vida egipcia.

Es importante no olvidar, el papel fundamental de sus pinturas murales, jeroglíficos y sus elementos decorativos, ya que nos sirven para entender mejor su sociedad y su cultura. Entonces deduzco que su carácter en nuestro contexto es social y en el suyo también lo era. Cuando se investiga sobre esta cultura y su relación con el arte-artista (imprescindible relación ya que marca como será el arte en las diferentes épocas históricas), nos damos cuenta de que los artistas no eran tenidos en consideración y se colocaban debajo de los escribas (3) en su jerarquía social.

Roberto Pérez y Noelia Tamayo son historiadores y escriben: ‘’Cuando hablamos de arte egipcio, inmediatamente nos dirigimos al Antiguo Egipto. Este peculiar arte puede tener carácter fúnebre, religioso o simbólico según en la época en la que este creada. A pesar de estar enterradas en la arena, sufrir guerras, ser saqueadas o bien guardadas en las tumbas o templos para que sus propietarios puedan ”gozar de ellas en la otra vida”, estas obras de arte están en aceptable estado de conservación’’. (Pérez y Tamayo, 2015).

Un ejemplo muy sencillo de arte egipcio directamente relacionado con la sociedad y la política son los Pirámides. Éstas nacen, por la demanda de los Reyes de Egipcio, de una estructura de mayor complejidad que los distinguiese de los grupos inferiores en su jerarquía social. También creo que hay que hacer una reseña no solo a por qué se erigieron este tipo de construcciones si no qué hay dentro de ellas, ya que opino que lo más político de las pirámides es su interior; Un difunto de clase social alta más un lujoso ajuar compuesto también de artes suntuarias realizadas en oro.

Un dato curioso de conocer acerca de esta cultura, es que, el oro para los egipcios era un material incorruptible del que estaban hechos los dioses, una persona de la clase social baja jamás será un Dios en esta cultura, jamás podrá acceder a este tipo de ritos funerarios, por tanto es una cuestión política.

Volvemos a encaminarnos en nuestro viaje en el tiempo para coger línea directa hacia Grecia y Roma. Con los Griegos y los Romanos sucede un acontecimiento, que en mi opinión personal, es uno de los hechos que va a marcar el trascurso vital del mundo artístico, suceso que va a cambiar la forma de percibir el arte y de mirar al artista, a partir de ese momento hasta el Renacimiento, llevaran a cabo la distinción entre lo que ellos consideraban las ‘’artes nobles’’ y lo que apreciaban como ‘’artesanía’’. Es curioso esta distinción, ya que, si la obra estaba vinculada a la fuerza de trabajo, como la escultura o la pintura, eran consideradas de ‘’arte menor’’, en cambio, la poesía y la música, eran de ‘’arte mayor’’.

Raquel Gallego, en el libro de Historia del Arte para segundo de bachillerato de la editorial Editex, afirma que ‘’un pintor o un escultor, en el mundo clásico estarán siempre por debajo de un poeta o un músico’’. Platón escribe, ‘’la poesía está más cerca de la verdad vital que la historia’’.

Supongo que ellos creerían que estas manifestaciones artísticas estaban más implicadas en el campo intelectual que las otras. Comprobamos que existe y se perpetua el sistema piramidal como ocurría en Egipto; un escultor estaba por debajo del poeta en la escala de su sociedad. Y, ¿Qué sucede cuando divides las diferentes artes bajo los criterios de una sociedad compuesta por clases sociales dominantes? Que las clases más altas imponen sus cánones y normas a todo el ámbito cultural y artístico de una sociedad entera.

Me opongo totalmente a esta división, si analizo mi formación académica en Bellas Artes, puedo afirmar con total seguridad que tanto en la escultura, como en la pintura, como en el dibujo, en audiovisuales, en fotografía, en la escritura y demás técnicas artísticas. En todas ellas está implicado el intelecto, es imposible separarlo, ya que, para crear una obra de arte necesitas pensar, investigar y teorizar primero lo conceptual para después pasar a la praxis y hacerlo tangible.

Creo que las categorizaciones y divisiones que se han ido haciendo a lo largo de la historia en la cultura y en el arte han contribuido a desvirtuar su función primigenia que es la social. Estas clasificaciones, tan solo separan y ayudan a crear una cultura dominada por unos pocos, que a su vez, intenta con ella dominar y alienar a las masas.
El próximo destino será de algunos siglos, más exactamente del siglo V al XV, donde nos encontramos con uno de los peores momentos para el arte y el artista.

La Edad Media que lejos de conseguir una mejor consideración social, el artista que era completamente anónimo era minusvalorado si era escultor o pintor, seguimos con la repartición que hicieron Grecia y Roma, pero con otro sentido completamente distinto.

El Cristianismo lo que intentaba prevenir era la experiencia sensorial pero sobre todo la información, y creo que este punto es importante tenerlo en cuenta a partir de ahora, porque a medida que han ido transcurriendo ciertos hechos históricos a nivel mundial, una de las primeras acciones acometidas por todas las culturas dominantes, ha sido la eliminación de toda manifestación artística que tenía algo que contar, que informaba a la sociedad de otros momentos históricos o del suyo propio, el arte que yo denomino arte contra-histórico.

Catherine Nixey, historiadora y filósofa, en su ensayo La edad de la penumbra describe el fanatismo tan peligroso que se escondía en esta época histórica. ‘’Lo que los romanos entendían por “triunfo” no era exactamente lo mismo que ahora. No consistía solamente en la victoria del ganador, sino en “la total y absoluta subyugación del perdedor”. Y tal es la premisa de Nixey, historiadora y periodista de The Times e hija de unos monjes que pasaron veinte años dentro de un monasterio antes de colgar los hábitos: que si bien el cristianismo conservó parte del legado clásico en los siglos oscuros de la Edad Media, otra historia anterior, mucho menos gloriosa y conocida, desplegó un escenario de destrucción apocalíptica de la filosofía y el arte de la antigüedad grecolatina, reducido por la Iglesia a sangre y cenizas durante los siglos IV y V d.C’’. (Daniel Arjona, 2018).

En esta época el arte es completamente utilizado en pos del adoctrinamiento, ya que, recordemos la mayoría del pueblo no sabía ni leer ni escribir. Se oprime completamente la función social del arte como tal, que es crear una conciencia crítica y emancipar al espectador y el artista, y se convierte en un arma para enseñar ‘’las verdades’’ que se suponía que tenían que creer que poseía la fe. A través de los mosaicos y los portones de las iglesias románicas y góticas, aleccionaban a las clases más bajas como tenía que ser su vida tanto social, política y personal.

No todos los periodos históricos han sido nefastos para la cultura y el arte, ha habido momentos de mucho esplendor, como por ejemplo, el Renacimiento periodo de transición de la Edad Media a la Edad Moderna, siglos XV y XVI; se consigue un cambio de mentalidad y por primera vez se considera la actividad artística como una labor del campo intelectual. El artista, que ya no es un artesano, se encuentra más cerca del pensador intelectual y se cree que debe formarse en diferentes disciplinas, a parte de las técnicas artísticas, como por ejemplo; gramática, filosofía, astronomía, historia, teoría del dibujo…

He de estar completamente de acuerdo con esta premisa, ya que el artista no solo produce un objeto, sino que ese objeto ha de contener una investigación teórica previa que lo sustente, este es el momento en donde la parte conceptual cobra vida. Por consiguiente, el artista como trasmisor de su realidad para crear una realidad global, debe formarse, investigar, teorizar y desarrollar una base conceptual que ayude a explicar el concepto principal que el artista quiere mostrar.

En el Barroco (Siglo XVII) sigue habiendo un retroceso en algunos lugares del mundo, ya que la voluntad del artista estaba aún al servicio de la Iglesia, por ejemplo, como ocurría en España, Flandes o Italia. El Cristianismo en este caso utilizaba el arte contra la herejías en su propia defensa y como canal de difusión de sus dogmas. El arte vuelve a perder por completo su función social, como pasaba en la Edad Media, y se convierte en un mero instrumento del poder y la iglesia para dominar a la sociedad y alienarla.

No es posible olvidar, aunque sea en una pequeña reseña, la labor de La Ilustración (siglo XVIII) con la sociedad y la cultura, ya que, fue un movimiento intelectual y cultural que trajo consigo el concepto de progreso.

Puedo deducir, que de éste momento histórico pudieran haber nacido los siguientes movimientos sociales, culturales y artísticos que se pusieron en pie de guerra contra la clase dominante. Hay que tener presente que este fenómeno nace en la época de la Revolución Industrial, de la mano de la Burguesía (4) y parte, de la Aristocracia (5). Su finalidad era eliminar la ignorancia de la humanidad mediante el conocimiento y la razón. Un dato importante, es que, a pesar de que la mujer en estos campos no ocupaba un lugar equitativo en la sociedad, algunas de ellas se involucraron en este movimiento, y es de agradecer, ya que todo hecho histórico bueno o malo es herencia para la humanidad.

A finales del siglo XVIII y siglo XIX, con el Academicismo, se recoge una conciencia que hace considerar que el arte puede ser enseñado y aprendido, algo con lo que estoy completamente de acuerdo. Su manera de lograrlo fue a través de la creación de Academias o Escuelas de Arte, inventando un modelo único realizado de la síntesis de los artistas que ellos consideraban más relevantes (todos hombres, por supuesto). Crearon unas normas / patrones / cánones de cómo se debía aprender el oficio artístico bajo sus criterios personales, también estas normas se encargaban de la mala labor de decidir que era arte y que no lo era. Aquí me contra posiciono; lo que se genera de esta situación tan estricta supeditada a la imposición de como debe ser el arte tanto aprendido como producido acaba por coartar la libertad de acción a manos de los artistas.

Uno de los trasfondos reales, que creo, que existe detrás de este tipo de implantaciones normativas tan estrictas, es la de controlar, ordenar y dirigir el arte en su totalidad para que la clase dominante lleve un control absoluto de la Cultura y de la población. Y no voy a negar la mayor, por ejemplo, para aprender a dibujar del natural (realismo) primero tienes que aprender unos cánones clásicos y unas normas del cuerpo humano dibujando esculturas griegas.

En resumen, la técnica si se ha de aprender bajo unas normas académicas pero bajo esas normas no se puede hacer dominio de la libertad del creador poniéndole limitaciones y juzgando su trabajo bajo premisas personales para que al final acabe produciendo el tipo de arte que socialmente se espera de él.

‘’Para mí, el arte no tiene ni pasado ni futuro. Cuando una obra no consigue permanecer siempre viva, entonces no merece la menos consideración. El arte de los griegos, de los egipcios y de los pintores de otras épocas, no es un arte del pasado. El arte no evoluciona por sí mismo, sino que las ideas de las personas cambian, y con ellas, su forma de expresión’’. (Pablo Picasso).

Antonio Martínez Ripoll, historiador cultural, en un texto escrito para la página digital ‘’ArteHistoria’’ hace una diferenciación entre el arte barroco y el Renacimiento. Cree que el Barroco es la contraposición del arte renacentista.

Comenta que; ‘’A partir de aquí la historiografía decimonónica, y aun posterior, entendió el Barroco como antítesis del Renacimiento y, por ende, de la clasicidad.

Usado el término por los historiadores y críticos de fines del siglo XIX con el original significado negativo y peyorativo, fue Jacob Burckhardt, el primero en rechazar la posición de Milizia, dándose cuenta de que “la arquitectura barroca habla el mismo lenguaje del Renacimiento, pero en un dialecto degenerado”. Aún persistiendo el tono negativo, este juicio abrió la puerta a estudios más objetivos desde el plano de la perspectiva histórica y dio pie a Heinrich Wölfflin para intentar la revaloración del Barroco. Su esfuerzo se concentró sobremanera en las transformaciones estilísticas sufridas por la arquitectura, fijando su nacimiento en la segunda mitad del siglo XVI y oponiendo a las peculiaridades del estilo clásico las señas de identidad del estilo barroco, reconocibles en: el pictoricismo, la construcción en profundidad, la forma abierta, el sentido de la unidad, y la relación entre todos los elementos de la composición. Participando de esta revisión crítica, Benedetto Croce puso el acento en la recuperación en clave historicista del siglo, reconstruyendo su tejido cultural, y obviando en gran medida dar un juicio de valor; con todo, en 1929 volvió a poner el acento en la decadencia del siglo XVII, retrotrayendo el significado de la palabra a su acepción negativa, como sinónimo de falto de poética, de feo, de gusto pervertido, de no estilo’’. (Ripoll).

En todas la épocas históricas hay rastros de la existencia y la huella del arte, es algo innato en nuestro trascurso vital y en nuestra formación como individuos sociales, por ello, todas las épocas están conectadas entre sí. Como he comentado al principio, la historia del Arte no se ha inventado cada vez que habido un movimiento o una Vanguardia nueva, si no que, ha ido transformándose y acumulando (durante toda su existencia) las herencias que hemos ido dejando las diferentes culturas que han pasado por la Tierra.

Como hemos podido comprobar hasta el siglo XIX hay una falta de consideración hacia el artista, creo que en pocos casos su figura como creador haya podido transcurrir en plena libertad, ya que siempre había, y sigue habiendo en nuestros días por encima de nosotros, ese sistema piramidal que estipula en que lugar se encuentra los diferentes tipos de artista con respecto a la sociedad, que tipo de artista eres o serás dependiendo de tu clase social y tu porfolio y como debes producir tu obra, incluyendo y siendo verdaderamente importante ‘’el concepto’’.

Hasta aquí nuestro primer paseo por la historia y la moraleja que extraigo de ello es que, ¿seguro que lo conceptual es lo primero? Pues va a ser que NO! Lo primero es la temática cuanto más estética, minimalista, incomprensible, banal, superficial y anodina sea mejor, a ser posible que no moleste a las clases dominantes como la burguesía o la monarquía, ni a los políticos ni a nadie que el poder considere como uno de los suyos. Eso sí, hay que ir siempre con una buena memoria escrita en PDF con muchas páginas para leer, cuanto más abstractas y poco ilegibles sean las palabras y los conceptos será mejor, esto es un indicador de intelectualismo y significará la venta efectiva en la mejores ferias capitalistas de arte de todo el mundo, donde solo la élite más exclusiva puede acceder a comprar capital cultural.

Si el artista no es libre a la hora de producir y exponer su obra, el arte tampoco lo será, por ende, la cultura tampoco estará exenta de opresión. Es por esto, por lo que creo firmemente que a partir de finales del XIX y el siglo XX se produce un cambio de mentalidad radical necesario con el nacimiento de movimientos artísticos y contra-culturales que denuncian la desigualdad social, que utilizan el arte como herramienta de militancia política y que se atreven a subvertirse en pro de la libertad individual y colectiva.

En nuestros días no se puede negar que como artistas individuales, presos del sistema capitalista, no hemos llegado en ningún caso a conseguir la libre ejecución a la hora de producir obra (6). Y no acepto la afirmación, que dice que, el operario artístico que vende su tiempo de trabajo a una galería por un salario, se siente en la libertad completa de poder realizar lo que quiera, cuando quiera y como quiera. Esto es una falacia, puesto que, las galerías exigen con tiempos y con temáticas las futuras obras de arte de sus empleados (los artistas), incluso a veces con muchos meses de antelación (puede ser que un artista a primeros de año sepa cuales son los cuadros que tiene que realizar durante ese año entero), ya que, sus verdaderos clientes (los mecenas) son los que marcan el ritmo de la propia galería de arte.

Es más, muchos artistas quedan encasillados durante mucho tiempo, o para siempre, en un mismo estilo porque la galería le exige que no se salga de lo preestablecido y acordado. La galería solo contrata porque ven un producto de venta del cual sacar beneficio, si cambias el producto, quizás puedan perder clientes y eso en el Capitalismo no se puede consentir.

Es un hecho que por este lado no hay nada de libertad en ningún sentido, lo mismo ocurre con las ferias de arte, ellas marcan que se va a considerar arte y que no, es más, se permiten el hecho de coartar la libertad de expresión de los creadores si se exceden en poner mucha sinceridad en sus proyectos. Esto le pasó a Santiago Sierra en ARCO, este mismo año, con su obra ‘’Presos Políticos’’ que fue censurada y eliminada con una velocidad asombrosa, ya que, mostraba una realidad del Estado Español que es bastante fea de enseñar.

‘’Es la última polémica. ARCO Madrid 2018 ha decidido este miércoles retirar la serie de 24 fotografías del artista madrileño Santiago Sierra titulada Presos Políticos en la España Contemporánea. Entre los rostros que aparecían colgados estaba el de Oriol Junqueras, ex vicepresidente de la Generalitat y actualmente en la cárcel, o los jóvenes detenidos por la agresión a dos guardias civiles en Alsasua (Navarra). Tras la decisión de ARCO, la alcaldesa de Madrid ha anunciado que no acudirá a la feria en protesta por la censura de esta obra. El presidente de Ifema se disculpó por lo sucedido: “No quisimos ejercer censura”.’’ (Pablo Machuca, 2018).

Esta obsesión del gobierno del estado español en intentar acallar todas las voces que puedan decir algo que interese, que mueva conciencias, que enseñe la realidad como es y como pensamos la gran mayoría, no llega solo al ámbito artístico plástico, si no que, nos podemos encontrar infinidad de artistas y obras vetadas por contar la otra parte de la historia.

Por ejemplo, el libro ‘’Fariña’’ de Nacho Carretero sufrió ‘’un secuestro’’; el cantante de rap Valtonyc por sus rimas en contra de la monarquía condenado a tres años y medio de cárcel o César Montaña Lehmann, de nombre artístico César Strawberry (7) por supuesto enaltecimiento del terrorismo condenado a un año de prisión; también, el famoso caso de los titiriteros encarcelados por supuesto terrorismo con su obra ‘’La bruja y Don Cristóbal’’; un joven de 24 años fue condenado a pagar 480 euros (8)por hacer un montaje artístico con la figura de Cristo y su rostro; Borja Casillas, drag queen llamado Drag Sethlas fue investigado en 2017 por hacer una actuación en los carnavales de Gran Canaria figurándose de Cristo y de virgen; el conocidísimo programa de ‘’El Intermedio’’ tiene conflictos legales con ‘’La Asociación para la defensa del Valle de los Caídos’’, la cual, logró llevar a juicio a José Miguel Monzón Navarro más conocido como el Gran Wyoming…. Incluso El Alto Tribunal Supremo ya ha avisado que ‘’retuitear’’ puede ser motivo de delito; “No se exige que el acusado asuma como propio, razone o argumente la imagen y su mensaje, ni tampoco que sea el que lo haya creado; basta que de un modo u otro accedan a él, y le den publicidad, expandiendo el mensaje a gran cantidad de personas”.

Esta coartación de libertad de expresión no solo la sufren los artistas por individual, si no, también los colectivos artísticos, los cuales, utilizan los espacios públicos como ‘’galerías de arte’’ para conseguir su objetivo, que es hacer llegar al pueblo su mensaje y hacer del arte un acto social. La problemática de esto es que es más fácil y rápido poder ejecutar contra ellos una acción policial y represiva.

‘’Amnistía Internacional y ‘The New York Time’ han criticado el retroceso de libertades que se está dando en España’’ (Pablo Machuca, 2018). En su artículo escrito para el medio digital ‘’Huffingtonpost’’, P. Machuca explica que es muy mala época para la libertad de expresión en España. ‘’Según esta organización (Amnistía Internacional), la Ley Mordaza o la Ley de Seguridad Ciudadana han servido para imponer sanciones administrativas que “podían constituir restricciones ilegítimas del derecho a la libertad de expresión, de reunión pacífica y de información”. A esto se ha unido el repaso que The New York Times ha dado a España en una crónica sobre la censura en ARCO que comienza de la siguiente manera: “ya sea por ley o intimidación, España se ha convertido en un país donde los riesgos para la libertad de expresión han crecido sigilosamente en los últimos años”. En una entrevista en la Cadena SER, el ministro del Interior, Juan Ignacio Zoido, ha respondido al informe asegurando que “la libertad de expresión en España está más que garantizada” y que de la aplicación de la Ley de Seguridad Ciudadana “no se puede deducir que se produzca un atentado a la libertad de expresión”.’’

Considero que este motivo son algunas las razones políticas de base del artivismo, el arte contemporáneo más social de nuestro contexto histórico. Es por ello que esta actividad me parece una forma más de hacer militancia necesaria como opción política que hace de la contra-información una herramienta para ayudar a que los individuos tomen conciencia de su entorno.

Como síntesis, comentaré que siempre abogaré por nuestro derecho a ser libres en cualquier ámbito existencial y más en referencia a la cultura y en este caso en concreto, al arte. Sigo confirmando que el arte es una herramienta social y creo que como artistas, y más en momentos históricos (casi todos) plagados de conflictos, tenemos un deber para con la colectividad. Debemos ser un canal de contra – información que revele las injusticias sociales y políticas de nuestros territorios. Tenemos que utilizar el arte como arma para dar voz a los más desamparados, ya que tenemos la posibilidad de tener en nuestras manos los instrumentos necesarios para la denuncia y la lucha de clases.

Seamos denuncia en contra del terrorismo capitalista, que no ve seres humanos, tan solo ve vidas que se transforman en dinero.

[¿Qué es el Arte? Vs ¿Para qué sirve?]
Si el arte NO sirve para nada, ¿Porque hay presos políticos españoles e internacionales?

Leer Primera parte: ¿Tiene el arte alguna función social?

Notas:
*.- Artista Multidisciplinar. Perteneciente al Colectivo de Artistas del Sur y al Colectivo Audiovisual Katakumba Records.
1.- ‘’No me gusta el término ‘‘Homo Sapiens’’. Porque no podemos decir que seamos una especie sabia, y si lo que realmente expresa el término es que tenemos conocimientos, los animales también los poseen. Ya sé que no voy a conseguir que las cosas cambien, pero propongo, para definir a la especie humana, la palabra ‘‘Homo Espiritualis’’, o mejor todavía ‘’Homo Espiritualis Artefactus’’, o algo parecido, porque no solamente es un ser espiritual, es un ser que también sabe hacer artefactos y hacer tangible su pensamiento abstracto’’. (Jean Clottes. Primer Congreso Atlantiar sobre prehistoria. 2012. Irún).
2.- Son pequeñas esculturas que acompañaban al cuerpo del difunto para sustituir a esa persona en los trabajos domésticos del más allá (panadero, cocinero, cervecero….).
3.- El escriba era el copista o amanuense de la Antigüedad. En la civilización del Antiguo Egipto, era un personaje fundamental, culto, experto en la escritura jeroglífica y pictográfica, y conocedor de los secretos del cálculo, siendo el único capaz de evaluar los impuestos, asegurar los trabajos de construcción y transcribir las órdenes del faraón. Para los hebreos era el copista de las Sagradas Escrituras y, posteriormente, incluso el doctor e intérprete de la ley.
4.- En aquellos años la Burguesía era lo que en nuestro tiempo se conoce como la Clase Proletaria o Clase Obrera, eran asalariados, o sea, estaban sometidos por los Aristócratas. No eran la clase dominante y no tenían los medios de producción.
5.- La Aristocracia, en esa época, es lo que sería la Burguesía en nuestros días; Era la clase alta dominante que tenían las máquinas de producción.
6.- Si te sientes libre como artista y actúas como tal en tu producción, hablando más específicamente del arte político, lo más seguro es que tú no seas parte del mercado del arte, lo que hará que tu obra no tenga tanta relevancia y sea más difícil mostrarla para poder venderla. En resumen, para el mundo del arte capitalista no tienes agencia y no existes.
7.- Escritor, compositor y cantante, popular por ser miembro y portavoz del grupo Def Con Dos y Strawberry Hardcore.
8.- La Fiscalía pedía que pagara 2.160 euros o si no que su pago monetario lo asumiera con 180 días en prisión. El juez desestimó la petición.

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(Ediciones del Serbal ed.)

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